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On Receiving the First Aspen Award
A Speech by BENJAMIN BRITTEN
第1回アスペン人文科学賞 受賞記念講演
FABER AND FABER 24 Russell Square London
First published in mcmlxiv by Faber and Faber Limited
24 Russell Square London WC1
Second Impression mcmlxv Printed in Great Britain
by The Bowering Press Plymouth
All rights reserved ⓒby Benjamin Britten 1964
フェイバー・アンド・フェイバー出版 ロンドン市ラッセルスクエア24
初版 1964年 フェイバー・アンド・フェイバー出版社
ロンドン市ラッセルスクエア24 ウェストセントラル1
初版第2刷 1965年 印刷 大英帝国
バウリング出版（プリマス）
無断転載を禁ず ©ベンジャミン・ブリテン（1964年）
_The Apen Award and Aspen Institute for Humanistic Studies_
アスペン人文科学賞とアスペン人文科学研究機構について
**********
The Robert O. Anderson Aspen Award in the Humanities was established in 1963 to honour 'the individual anywhere in the world judged to have made the greatest contribution to the advancement of the humanities.'
ロバート・アンダーソン・アスペン人文科学賞は「人文科学の発展に最も偉大な貢献をしたとされる、世界中の個人」を表彰するとして、1963年に創設されました。
Benjamin Britten was chosen as the first recipient of the Award from among more than a hundred artists, scholars, writers, poets, philosophers, and statesmen, who had been nominated by leaders in intellectual and cultural fields throughout the world.
第1回の受賞者ベンジャミン・ブリテンさんは、世界中の学識者ならびに文化活動実践者を代表する選考委員達によって、100名以上の芸術家、学者、文筆家、詩作家、哲学者、政治家の候補者の中から選出されました。
The Award was presented by Alvin C. Eurich, President of the Aspen Institute, at a ceremony in the Aspen Amphitheatre, Aspen, Colorado, on 31st July, 1964. The Citation read:
1964年7月31日、アメリカ合衆国コロラド州アスペンの、野外円形劇場で行われた授賞式では、アスペン人文科学研究機構のアルヴィン・C・ユーリック代表から、以下の表彰の言葉と共に贈られました。
'To Benjamin Britten,
who, as a brilliant composer, performer, and interpreter through music of human feelings, moods, and thoughts, has truly inspired man to understand, clarify and appreciate more fully his own nature, purpose and destity.'
貴殿は優れた作曲家として、演奏家として、音楽を通して人々の思い・心の様相・考えを伝える人として、人それぞれが自分だけのものとして大切にしている、その人の性（さが）、その人の生きる目的、その人が運命とするもの、こういったものを、人々が理解し、明確にし、そして感謝して味わうことが出来るよう、しっかりと導いてくれました。ここにこれを表彰します。
_On Receiving the First Aspen Award_
第1回アスペン人文科学賞 受賞記念講演
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Ladies and Gentlemen, when last May your Chairman and your President told me they wished to travel the 5000 miles from Aspen to Aldeburgh to have a talk with me, they hinted that it had something to do with an Aspen Award for Services to the Humanities － an award of very considerable importance and size. I imagined that they felt I might advise them on a suitable recipient, and I began to consider what I should say. Who would be suitable for such an honour? What kind of person? Doctor? Priest? A social worker? A politician? Well, ... ! An artist? Yes, possibly (that, I imagined, could be the reason that Mr. Anderson and Professor Eurich thought I might be the person to help them). So I ran through the names of the great figures working in the Arts among us today. It was a fascinating problem; rather like one's school-time game of ideal cricket elevens, or slightly more recently, ideal casts for operas － but I certainly won't tell which of our great poets, painters, or composers came to the top of my list.
ご臨席の皆様方、先々月、5月に、選考委員代表の方と研究機構代表の方とが、是非にとのことで、わざわざアスペンからイギリスのオールドバラまで、はるばる5000マイルお越しくださるとの連絡を頂きました。この時私は、ふと思いました。アスペン人文科学賞、これは人文科学に寄与した方に贈られる賞としては、その重要性と規模は大変なものです。そのことでお二人はお越しになるのかな。となると、私が「この人なら」というご提案をさせて頂けるのかもしれない、と想像いたしまして、ならばと自分の案を考え始めたのです。こんな大きな賞に相応しいのは誰か？どんな人か？博士学者か？宗教関係者か？福祉関係者か？政治関係者か？そうか、芸術関係者もか？多分そうだろう（となれば、アンダーソンさんもユーリックさんも、私のところへ遠くからいらして下さる理由が成り立つ、そう想像したのです）。そこで私は、今日私達芸術に携わる者達の中で、ひときわ優れた仕事をしている方達の、名前を物色してみました。これは中々楽しい紐解きでした。なんだか学生時代に、クリケットのベストメンバー11名を挙げたり、このところですと、オペラを上演するならこのキャスティングで、みたいなね。ただ実際のところ、詩人にしろ、画家にしろ、あるいは作曲家にしろ、伊の一番は誰かということになると、なかなか名前が出てきませんでした。
Mr. Anderson and Professor Eurich paid their visit to my home in Aldeburgh. It was a charming and courteous visit, but it was also a knock-out. It had not occured to me, frankly, that it was I who was to be the recipient of this magnificent award, and I was stunned. I am afraid my friends must have felt I was a tonguetied host. But I simply could not imagine why _I_ had been chosen for this very great honour. I read again the simple and moving citation. The key-word seemed to be 'humanities.' I went to the dictionary to look up its meaning, I found _Humanity_: 'the quality of being human' (well, that applied to me all right). But I found that the plural had a special meaning: 'Learning or literature concerned with human culture, as grammar, rhetoric, poetry and especially the ancient Latin and Greek Classics.' (Here I really had no claims since I cannot properly spell even in my own language, and when I set Latin I have terrible trouble over the quantities － besides you can all hear how far removed I am from rhetoric.) _Humanitarian_ was an entry close beside these, and I supposed I might have some claim here, but I was daunted by the definition: 'One who goes to excess in his human principles (in 1855 often contemptuous or hostile)'. I read on, quickly. _Humanist_ : 'One versed in Humanities', and I was back where I started. But perhaps after the clue was in the word 'human', and I began to feel that I might have a small claim.
アンダーソンさんとユーリックさんが、我が家のあるオールドバラへお越しになりました。私は本当に嬉しく、そしてお二人とも礼を尽くしてくださいましたが、同時にブッ飛ぶような事態になったのです。正直、まさか私が栄えあるこの賞を頂くことになるとは、思いもよりませんでしたから、口も回らずアタフタしてしまいました。御来訪のお二人は、きっと「何だこいつ、噛みまくっているな」とお思いになったのではないでしょうか。でもとにかく、私はなぜ自分が偉大なこの賞を頂けるのか、皆目見当がつかなかったのです。改めて、この一切の無駄のない、感動的な表彰の言葉を読ませていただきました。この「人文科学」というのが、鍵になる言葉のように思えたのです。私は辞書を引っ張り出してきました。「人間性：人としての要件」（なるほど、これなら私にも当てはまります）。ただ、語尾が変わって「人文科学」となると、意味が特別になります「人間の文化に関わるような、言葉の原理法則、巧みな物の言い方、詩歌、それから特には古典としてのラテン文学やギリシャ文学に関わるような、学問や文芸」（こうなると、私の出る幕ではありません。何しろ私は、自分の名前を母国語である英語で正しく綴るのも、ままなりませんし、更にはラテン語ともなると、その膨大さには手を焼くばかりです。もっと言えば、お聞きいただいての通り、私は「巧みな物の言い方」とは、縁の遠い人間ですので）。こういうことのすぐ傍にある入口が「人道主義：社会を良くしようとする態度」で、この点私にも少しは、持っているぞと言えるものがあるのかもしれません。しかし、次の定義には私も怯みました「自分の人間としての柱としているものを、これでもか、と推し進める」（1855年には「蔑み」とか「敵意」としてはびこっていました）。すぐさま読み進めていくと「Humanist」の定義が「人文科学に精通している人」。そしてもう一度最初に立ち返るのです。ただ、「人」という言葉に鍵があるということなのでしょうから、ということで、私にも出る幕があるかなと、だんだん感じるようになったのです。
https://www.youtube.com/watch?v=jU-KLqaUXmw&list=RDjU-KLqaUXmw&start_radio=1
King's College Cambridge 2013
A Hymn to the virgin
Benjamin Britten (1930, age 17)
II
I certainly write music for human beings － directly and deliberately. I consider their voices, the range, the power, the subtlety, and the colour potentialities of them. I consider the instruments they play － their most
expressive and suitable individual sonorities, and where I may be said to have invented an instrument (such as the Slung Mugs of _Noye's Fludde_) I have borne in mind the pleasure the young performers will have in playing it. I also take note of the _human_ circumstances of music, of its environment and conventions; for instance, I try to write dramatically effective music for the theatre － I certainly don't think opera is better for not being effective on the stage (some people think that effectiveness _must_ be superficial). And then the best music to listen to in a great Gothic church is the polyphony which was written for it, and was calculated for its resonance: this was my approach in the _War Requiem_ － I calculated it for a big, reverberant acoustic and that is where it sounds best. I believe, you see, in _occasional music_ , although I admit there are some occasions which can intimidate one － I do not envy Purcell writing his _Ode to Celebrate King James's Return to London from Newmarket_. On the other hand almost every piece I have ever written has been composed with a certain occasion in mind, and usually for definite performers, and certainly always _human_ ones.
確かに私は、血の通った人間のために音楽を書いています。書いて直接届けようと、意識してそうしています。声や音の質、音域、力強さ、「そこはかとなく」の表現力、そして色彩感に関するポテンシャル、こういったもの全てを頭において音楽を書きます。人間が手にして演奏する楽器についても、考えを巡らせます。其々の楽器ならではの、一番表現力があって、適切な音の響かせ方というものに考えを巡らせます。そして「これはブリテンが自分で考え出した楽器だろう」と言われそうなものについては（例えば、歌劇「ノアの洪水」で、雨が降ってきたことを知らせる場面で、マグカップを幾つもぶら下げて鳴らすもの）、これを若い奏者達が面白がって弾いてくれたらなと、そう思いながら音楽を書くのです。同時に私が気を遣うのが、音楽にしろ、音楽を取り巻く条件にしろ、様々な決まりごとにしろ、それらが、人が関わる環境の中でどうなっているのか、ということです。私は劇場用には、表現したいものがしっかりとメリハリをもって伝わる、そんな効果のある音楽を、努めて書くようにしています。人によっては、オペラとは、舞台上で演奏効果があるとは言えない方が、作品としては優れているとか、「演奏効果」なるものは、表面的な部分に留まるべきだとか、そういう意見がありますが、私はそうは思いません。それと、ゴシック様式の大きな教会の建物の中で聴くのに、最高の音楽は、その建物に合わせて、その残響を計算して書いたポリフォニーです。私はそうやって、「戦争レクイエム」を書きました。ある大きな教会の建物の残響を計算して、そこで演奏して一番良いサウンドが鳴るようにしたのです。私は、色々と特定の機会のために曲を書くことがありますし、中には押し付けられた気分になりかねないものも、正直あります。ヘンリー・パーセルは「ジェームス王のニューマーケットからロンドンへの凱旋讃歌」というものを書きましたが、別に私は、羨ましいなとは言いませんよ。一方私は、殆ど毎回音楽を書くたびに、特定の環境を意識しています。そして大概は「この演奏者のために書こう」と特定するなど、生身の人が関わるということを意識しています。
https://www.youtube.com/watch?v=kUk_nNULRJY&list=RDkUk_nNULRJY&start_radio=1
Benjamin Britten’s NOYE’S FLUDDE
Aspiro 20th Anniversary Concert Series
in collaboration with Carlow College of Music and the Royal Irish Academy of Music, 29th April 2018, Carlow Cathedral.
https://archive.org/details/onreceivingfirst0000benj/page/n3/mode/1up
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On Receiving the First Aspen Award
A Speech by BENJAMIN BRITTEN
第1回アスペン人文科学賞 受賞記念講演
III
You may ask perhaps: how far can a composer go in thus considering the demands of people, of humanity? At many times in history the artist has made a conscious effort to speak with the voice of the people. Beethoven certainly tried, in works as different as the _Battle of Vittoria_ and the Ninth Symphony, to utter the sentiments of a whole community. From the beginning of Christianity there have been musicians who have wanted and tried to be the servants of the church, and to express the devotion and convictions of Christians, as such. Recently, we have had the example of Shostakovich, who set out in his 'Leningrad' Symphony to present a monument to his fellow citizens, an explicit expression for them of their own endurance and heroism. At a very different level, one finds composers such as Johann Strauss and George Gershwin aiming at providing people － the people － with the best dance music and songs which they were capable of making. And I can find nothing wrong with the objectives － declared or implicit － of these men; nothing wrong with offering to my fellow-men music which may inspire them or comfort them, which may touch them or entertain them, even educate them － directly and with intention. On the contrary, it is the composer's duty, as a member of society, to speak to or for his fellow human beings.
作曲家というものは、人々の要求や要請、あるいは、人間性という観点から求められるものを、どこまで考慮してやっていけるものなのか、そう疑問を持つ方もいるかと思います。音楽の歴史上、作曲家が意識的に努めて、人々がある思いを込めて一斉に声を上げる様子を演奏に盛り込んだことが、数多くありました。ベートーヴェン作曲の「戦争交響曲」や、第九などは、ある一つの人間集団全体の醸し出す感情の空気感を表現しようと、其々方法は違いますが、一つの音楽に仕上げたものに、間違いありません。キリスト教が宗教として世の中で受け入れられるようになって以来、教会のために捧げたいとして曲作りに励んだ音楽家は、これまで何人もいます。そうやって、キリスト教徒達がいかに献身的で、いかに信心深いかを表現したのです。最近では（1955年）、ショスタコーヴィチが良い例です。彼が書いた交響曲第7番ハ長調「レニングラード」は、同胞の人々である市民達へ捧げる記念碑であり、市民達が様々な苦労を耐え忍んだことに思いを馳せ、英雄的態度を讃えることを、明確に表現しています。大分尺度を変えてみますと、「人々に捧げる」ことをねらいとした点では、ヨハン・シュトラウスやジョージ・ガーシュウィンも、その能力をいかんなく発揮して、ダンスのための最高の音楽や歌を作っています。「同胞である人々に音楽を捧げる」のが、感動させるためでも、楽しませるためでも、教育教化のためでも、人々に直接、それも意図をもって届ける、その目的は色々ありますが、どれも私には、間違ったものには見えません。それどころか、作曲家たるものは人間社会の一員として、同胞たる人間達に向けて、同胞たる人間達のために、音楽で語りかけることは、責務です。
When I am asked to compose a work for an occasion, great or small, I want to know in some detail the conditions of the place where it will be performed, the size and acoustics, what instruments or singers will be available and suitable, the kind of people who will hear it, and what language they will understand － and even sometimes the age of the listeners and performers. For it is futile to offer children music by which they are bored, or which makes them feel inadequate or frustrated, which may set them against music forever; and it is insulting to address anyone in a language which they do not understand. The text of my _War Requiem_ was perfectly in place in Coventry Cathedral － the Owen poems in the vernacular, and the words of the Requiem Mass familiar to everyone － but it would have been pointless in Cairo or Peking.
規模の大小は色々ありますが、私が何か特定の機会のために作曲を依頼されることがあれば、幾つか細かく条件を確認したいと、常に思っていることがあります。どこで演奏されるのか、そこの規模と音響、手配可能でかつ適切な楽器や歌い手、演奏を聴きにいらっしゃる聴衆の層と理解可能な言語、時には聴衆と演奏者両方の年齢層も確認したいと思うことがあります。例えば小さな子供達が対象なら、彼らが退屈するものとか、「こんなの自分達には理解できないよ」とか「聴いていてイライラする」とか、そんなものを書いても意味がありません。そんなことをしたら、一生音楽に敵意を持ってしまうでしょう。それと、言語についても、理解できないと言っているものを、敢えて押し付けるようなことをするのは、ケンカを売るようなものです。その点、私の「戦争レクイエム」の歌詞は、完璧にロンドンのコヴェントリー大聖堂で演奏するのに相応しくしてあります。第二次世界大戦の最中25歳で戦死したウィルフレッド・オーウェンの詩は日常の言葉で、そして、死者のためのミサについては、キリスト教徒なら誰もが馴染みのあるものです。でもこれは会場がロンドンだからであって、カイロや北京でやるなら、別の視点を抑えないと、的外れになってしまいます。
During the act of composition one is continually referring back to the conditions of performance － as I have said, the acoustics and the forces available, the techniques of the instruments and the voices － such questions occupy one's attention continuously, and certainly affect the stuff of the music, and in my experience are not only a restriction, but a challenge, an inspiration. Music does not exist in a vacuum, it does not exist until it is performed, and performance imposes conditions. It is the easiest thing in the world to write a piece virtually or totally impossible to perform － but oddly enough that is not what I prefer to do; I prefer to study the conditions of performance and shape my music to them.
人は音楽を作る間中、それが実際に演奏される時の状態を、常に確認しながら作業を進めます。先程も申し上げましたが、会場の音響と、人でも物でも調達可能なもの、調達できる楽器や歌手に要求できる技術的な内容、こういうことについて、「一体どうなっているんだ？」と音楽を作っている間中、ずっと自問自答して気に掛けるものですし、出来上がるものの内容に、間違いなく影響を与えます。そして私の経験から申し上げれば、こういうものは、単純に規制や制限というだけではなく、自分に挑戦状をたたきつけるものであり、そして自分を奮い立たせてくれるものでもあるのです。音楽というものは、外界から隔離された状態では、存在できません。存在できるようにするのは、自他による演奏であり、演奏とは、条件を色々と突きつけてきます。妄想・空想・仮想の中で曲を書くとか、何をしても演奏不可能な曲を書くとか、そんなことは誰にでもできます。でも、そんなバカなことには、私は手を出しません。私が手を出すのは、人間が演奏するための様々な条件状態を良く調べ尽くして、自分の音楽を作って届ける、演奏してくれるその人、その人達のために、です。
https://www.youtube.com/watch?v=HwBEtfXXsvU
War Requiem
Benjamin Britten Conductor
BBC Symphony Chorus & Orchestra
August 4, 1964
IV
Where does one stop, then, in answering people's demands? It seems that there is no clearly defined Halt sign on this road. The only brake which one can apply is that of one's own private and personal conscience; when that speaks clearly, one must halt; and it can speak for musical or non-musical reasons. In the last six months I have been several times asked to write a work as a memorial to the late President Kennedy. On each occasion I have refused － not because in any way I was out of sympathy with such an idea; on the contrary, I was horrified and deeply moved by the tragic death of a very remarkable man. But for me I do not feel the time is ripe; I cannot yet stand back and see it clear. I should have to wait very much longer to do anything like justice to this great theme. But had I in fact agreed to undertake a limited commission, my artistic conscience would certainly have told me in what direction I could go, and when I should have to stop.
「その人、その人達」が、あれこれと要求してくる、その道はどこまで進んだら止まるべきか？その道には、明確な「これより先、通行禁止」の標識は、無いように思われます。止まるとしたら、自分だけが踏めるブレーキを取り付けて、自分だけの知覚認識でそれを操作するしかないのです。そのブレーキがハッキリ「踏め！」と言ったら、止まらねばなりません。そしてそのブレーキは、音楽的な観点から、あるいはそれとは全く関係ない観点から、「踏め！」と言ってくることもあり得るのです。ここ半年（1955年）の間に、先に亡くなられたケネディ大統領を記念した作曲の依頼を、何度か頂いています。頂くたびにお断りしているのですが、それはそういう発想に共感できないからではありません。むしろ、あんな素晴らしい人物が、あのような悲惨な亡くなり方をした、そのことに恐怖し、深く心を突き動かされています。それ故に、一歩距離を置いて事態を明確に見極めるなど、依然として出来るわけがなく、私にとっては「未だ機は熟せず」なのです。これほど巨大なテーマを前に、何もかにもを「まっとうに」やろうと思うなら、十分に時間をかけて、機が熟すのを待たねばいけません。でも仮に、「ここまででいいから」と線引きがある上で、実際のところお引き受けするとしても、私なりの音楽家としての良心がありますので、自分が取れる方向性と、自分が踏みとどまるべき限界線とを、その「良心」に基づいてしっかり決めねばなりません。
There are many dangers which hedge round the unfortunate composer: pressure groups which demand true proletarian music, snobs who demand the latest _avant-garde_ tricks; critics who are already trying to document today for tomorrow, to be the first to find the correct pigeon-hole definition. These people are dangerous － not because they are necessarily of any importance in themselves, but because they may make the composer, above all the young composer, self-conscious, and instead of writing his own music, music which springs naturally from his gift and personality, he may be frightened into writing pretentious nonsense or deliberate obscurity. He may find himself writing more and more for machines, in conditions dictated by machines, and not by humanity; or of course he may end by creating grandiose claptrap when his real talent is for dance tunes or children's piano pieces. Finding one's place in society as a composer is not a straightforward job. It is not helped by the attitude towards the composer in some societies. My own, for instance, semi-Socialist Britain, and Conservative Britain before it, has for years treated the musicians as a curiosity to be barely tolerated. At a tennis party in my youth I was asked what I was going to do when I grew up － what job I was aiming at. 'I am going to be a composer', I said. 'Yes, but what else?' was the answer. The average Briton thought, and still thinks, of the Arts as suspect and expensive luxuries. The Manchester councillor who boasted he had never been to a concert and didn't intend to go, is no very rare bird in England. By Act of Parliament, each local authority in England is empowered to spend a six-penny rate on the Arts. In fact it seems that few of them spend more than one twentieth of this － a sign of no very great enthusiasm! Until such a condition is changed, musicians will continue to feel 'out of step' in our semi-Welfare State.
不幸な作曲家というものは、その人の周りを、多くの危険なものが取り囲んでいるものです。様々に圧力をかけてくる集団が、社会変革を促すような曲を書けと言ったり、俗物根性丸出しの個人や団体が、最先端のアヴァンギャルドの技巧を凝らして曲を書けと言ったり、音楽評論家達が、明日締め切りの原稿を今日仕上げたいから、「この曲はこういう風に分類される」と真っ先に言ってのけたいから、サッサと曲を書けと言ったりするのです。こういう個人や団体が危険だというのは、必ずしも、何か存在が重要だからではなく、作曲家、とりわけ若手の作曲家を、人目を気にするように仕向けてしまうからです。そうやって、自分自身の音楽を書くことが出来なくなる、自分自身の天賦の才能や個性から自然に発するものを音楽にして書くことが出来なくなる、そして恐れおののいて、大げさだけれども意味のない、あるいは、わざとらしく曖昧な、そんな音楽を書く羽目になるのです。ハタと我に返った瞬間、自分は人間でなく機械や人間性を持たない集団の為に、場合によっては、それに支配されて、どんどん音楽を書いていた、当然とどのつまりは、本来ならダンス音楽だの子供達のためのピアノ音楽にその真価を発揮できたはずなのに、仰々しくてくだらない音楽を書く自分になり下がっていた、そんなことになるのです。作曲家としてこの人間社会のどこに自分の居場所があるのか、それを見つけ出すのは、生易しい仕事ではありません。社会集団によっては、作曲家に向けられる態度が助けにならない場合もあります。私自身の経験で言えば、現在のイギリスは半分社会主義的な色合いがあり、その前は、保守的な色合いがありましたが、長年に亘り音楽家と言えば、社会が寛大に扱うことなど許すはずもない、ただの物好きだとされていました。私は若い頃、あるテニスサークルに居たのですが、将来何の仕事をするつもりかと訊かれて、「作曲家」と答えたところ、「なるほど、で、他には？」と返されました。普通のイギリス人とされる人の感覚では、当時も、そして今も、芸術とは胡散臭くて金のかかるお遊びなのです。あるマンチェスター市の市議会議員が、自分はコンサートなんぞ足を運んだことがないし、その気もないと、得意げにブチ上げていましたが、イギリスではこういう人は、珍しくもなんともないのです。イギリスでは国が定めた法律により、各地方自治体はささやかでも芸術活動にお金を掛けられるよう、国から財政補助を受けています。実際は本来額の20分の1以上予算をつけている自治体すら、殆ど無いと見られます。芸術活動に対する大いなる熱意など、まるでない証拠です。我が国は福祉はちゃんとしていると言ってはいるものの、この状況が続く限り、音楽家が「この国とはそりが合わない」と思い続けることになるでしょう。
But if we in England have to face a considerable indifference, in other countries conditions can have other, equally awkward effects. In totalitarian regimes, we know that great official pressure is used to bring the artist into line and make him conform to the State's ideology. In the richer capitalist countries, money and snobbishness combine to demand the latest, newest manifestations, which I am told go by the name in this country of 'Foundation Music'.
我が国イギリスでは、社会的無関心が大きく立ちはだかっているとはいいながら、実は他の各国でも同じように厄介な影響を与える要素があるのです。全体主義を是とする国家では、凄まじい公的圧力によって、芸術に携わる人々は国家のイデオロギーに従わねばなりません。資本主義国家でも比較的豊かなところでは、金の力と俗物根性が手を取り合って、時代の最先端を行くような、まだ誰も経験したことのないような、それを約束するよう求められる、私が聞いたところでは、アメリカではこういう音楽は、きちんと聞いて楽しむというよりは、壁紙や道路のように生活環境の土台として据えられる、そういう「Foundation Music」というのだそうです。
https://www.youtube.com/watch?v=qMB371jaiCU&list=RDqMB371jaiCU&start_radio=1
Benjamin Britten and Peter Pears perform three folksongs in a recital broadcast by NHK. 1956
https://archive.org/details/onreceivingfirst0000benj/page/n3/mode/1up
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On Receiving the First Aspen Award
A Speech by BENJAMIN BRITTEN
第1回アスペン人文科学賞 受賞記念講演
V
The _ideal_ conditions for an artist or musician will never be found outside the _ideal_ society, and when shall we see that? But I think I can tell you some of the things which any artist demands from any society. He demands that his art shall be accepted as an essential part of human activity, and human expression; and that he shall be accepted as a genuine practitioner of that art and consequently of value to the community; reasonably, he demands from society a secure living and a pension when he has worked long enough; this is a basis for society to offer a musician, a modest basis. In actual fact there are very few musicians in my country who will get a pension after forty year's work in an orchestra or in an opera house. This must be changed; we must at least be treated as civil servants. Once we have a material status, we can accept the responsibility of answering society's demands on us. And society should and will demand fromus the utmost of our skill and gift in the full range of music-making. (Here we come back to 'occasional' music.) There should be special music made and played for all sorts of occasions: football matches, receptions, elections (why not?) and even presentations of awards! I would have been delighted to have been greeted with a special piece composed for today! It might have turned out to be another piece as good as the cantata Bach wrote for the Municipal Election at Mühlhausen, or the Galliard that Dowland wrote as a compliment to the Earl of Essex! Some of the greatest pieces of music in our possession were written for special occasions, grave or gay. But we shouldn't worry too much about the so-called 'permanent' value of our occasional music. A lot of it cannot make much sense after its first performance, and it is quite a good thing to please people, even if only for today. That is what we should aim at － pleasing people today as seriously as we can, and letting the future look after itself. Bach wrote his _St. Matthew Passion_ for performance on one day of the year only － the day which in the Christian church was the culmination of the year, to which the year's worship was leading. It is one of the unhappiest results of the march of science and commerce that this unique work, at the turn of a switch, is at the mercy of any loud roomful of cocktail drinkers － to be listened to or switched off at will, without ceremony or occasion.
芸術活動に携わる人、音楽家にとって、理想的な条件は理想的な社会にしか見出せません。では、理想的な社会とは、いつになったらお目見えするのか？ただ、どんな社会であっても、芸術に携わる人なら誰もが求めるものについては、私でも幾つか申し上げることは、出来ると思います。1つ目、自分の作品の受け入れられ方です。人の営み、人の自己表現、こういったものに欠かせないものとして、社会が受け入れることを求めています。2つ目、自分自身の受け入れられ方です。取り組む芸術活動の誠実な実践者として、ということは、社会にとって価値のある誠実な実践者として、社会が受け入れることを求めています。3つ目、長年就業した暁の生活の保障と年金です。音楽家に程よいベースで社会がこれを提供するのは、基本でしょう。現実問題、我が国イギリスでは、40年間、例えばオーケストラで、例えば歌劇団で勤め上げた後、年金を受給できる音楽家は、殆どいません。こんなことは変えていかねばなりません。私達音楽家は、少なくとも公僕としての扱いを受けるべきなのです。物的条件が整えば、私達音楽家は、社会からの様々な要請に応える責務を負うことが出来ます。そして社会の方も、私達音楽家に対して、あらゆる音楽づくりとその発信について、手腕と才能を最大限発揮することを、求めるべきですし、求めることになるでしょう（ここで話を「特定の機会のための音楽」に戻します）。ありとあらゆる機会のために、それに特化した音楽が作られ、演奏されるべきなのです。フットボールの試合でも、歓迎の式典や宴でも、選挙でも（是非やって見ましょうよ）、それに様々な表彰式でもいいのです！今日も、何か特別に作曲された音楽で会場に入って来れたら、嬉しかったのになと、思いますよ！その作品はきっと名曲になりますよ。バッハがドイツのミュールハウゼン市参事会選挙用に書いたカンタータとか、ジョン・ダウランドがエセックス伯に敬意を表して書いたガリヤルドとか、それに肩を並べるようなね！音楽史上名曲とされる作品の中には、こういった特定の機会のために書かれたものも幾つかあります。荘厳なものも、騒々しいものも、色々ですが。そういう特定の機会のために書かれた作品は、いわゆる「特定の機会が終わった後も未来永劫」その価値を保てるかということが懸念されるわけですが、それはあまり気にするべきではありません。そういう作品の多くは、初演としての「特定の機会が終わった後」は大した意味を成さなくなる可能性はあります。そして仮にその日限りのものであったとしても、その場の人々が喜ぶものであれば、まずは上々なのです。そしてこれこそが、私達がしっかりと見据えるべきものなのです。今日この瞬間、自分の目の前にいる人々に、まずは誠心誠意自分を尽くして喜んでいただく、そして「未来永劫」については、自らは関与せず、そこに委ねる、ということです。バッハが書いた「マタイ受難曲」は、ある年のある日の行事のためのものです。その日はキリスト教の教会にとっては年間の山場となる日で、1年間のお祈りはその日に向けて捧げられてきた、そういう日なのです。こんな唯一無二の音楽作品が、科学技術とビジネスが大手を振って闊歩した結果、部屋を埋め尽くす騒々しい飲んだくれ達の手に落ちると、スピーカーに耳を貸すもスイッチを消すも、思いのままです。これでは「行事」も「機会」もあったものではありません。
https://www.youtube.com/watch?v=sKPVbYcB06o
J.S. Bach: Brandenburg Concerto No. 1 in F, BWV 1046: 1. (Allegro) ·
English Chamber Orchestra·
Benjamin Britten conductor
℗ 1969 Decca Music Group Limited
VI
The wording of your Institute's Constitution implies an effort to present the Arts as a counter-balance to Science in today's life. And though I am sure you do not imagine that there is not a lot of science, knowledge and skill in the art of making music (in the calculation of sound qualities and colours, the knowledge of the technique of instruments and voices, the balance of forms, the creation of moods, and in the development of ideas), I would like to think you are suggesting that what is important in the Arts is _not_ the scientific part, the analyzable part of music, but the something which emerges from it but transcends it, which cannot be analysed because it is not _in_ it, but _of_ it. It is the quality which cannot be acquired by simply the exercise of a technique or a system: it is something to do with personality, with gift, with spirit. I quite simply call it － magic: a quality which would appear to be by no means unacknowledged by scientists, and which I value more than any other part of music.
アスペン人文科学研究機構の綱領を読ませていただきましたが、今の人々の暮らしの中で、科学技術に釣り合う重しとして、芸術芸能を打ち出していくよう努める、とのことです。音楽を作って発信する上で（音質・音色の計算、器楽演奏や声楽の技に関する知識情報、音楽の骨組み作りをする際のバランスのとり方、様々な雰囲気の醸し出し方、それにネタの広げ方）、科学的な考え方とか、情報や知識、それに技能技術と言ったものは、さほど多くは要らないなどと、よもやご想像なさってはおらないと、私は確信しておりますが、きっとこう仰りたいのであろうと考えたいと思います：音楽芸術において、音楽の持つ科学的な部分や分析を要する部分は重要ではなく、重要なのは、音楽の中から出現するけれども音楽を超越してゆくもの、そしてそれは、分析などできっこない、なぜならそれは、音楽の中に埋まっているものではなく、音楽の一部となっているものだから。確かにその「出現して超越するもの」は、単に技を駆使したり、組み立て方をあれこれ試しても、それだけでは獲得しえないものです。人間性、天賦の才能、心構え、こういったものに関わるものです。私などは単純にこう呼びます「魔法」。この要素は、科学者達が無視するものでは、到底あり得ないものと見られますし、私としては、音楽のあらゆる要素の中でも、最も価値あるものと考えています。
It is arguable that the richest and most productive eighteen months in our music history is the time when Beethoven had just died, when the other nineteenth century giants, Wagner, Verdi and Brahms had not begun; I mean the period in which Franz Schubert wrote his _Winterreise_, the C major Symphony, his last three piano sonatas, the C major String Quintet, as well as a dozen other glorious pieces. The very creation of these works in that space of time seems hardly credible; but the standard of inspiration, of magic, is miraculous and past all explanation. Though I have worked very hard at the _Winterreise_ the last five years, every time I come back to it I am amazed not only by the extraordinary mastery of it － for Schubert knew exactly what he was doing (make no mistake about that), and he had thought profoundly about it － but by the renewal of the magic: each time, the mystery remains.
音楽の歴史上、最も重要な作品が数多く生まれたのは、ベートーヴェンが亡くなる前18か月間の間で、その頃は同じ19世紀の他の大作曲家達、ワーグナーやヴェルディ、あるいはブラームスと言った面々は、その勢いは始まっていなかった、と言いますが、まあこれには、色々と議論の余地があります。私に言わせていただければ、フランツ・シューベルトが連作歌曲集「冬の旅」op.89 D911、交響曲第8番ハ長調「ザ・グレート」、ピアノソナタD958, 959 960、弦楽五重奏曲ハ長調D956、他にも同時期に10数曲名曲を書いていますが、この時期ではないかと思います。こんな期間にこれだけの作品を生み出すなどと言われても、納得しかねるものがありますが、インスピレーションや魔法の力の水準は、人知の及ばざるものであり、言葉での説明の範疇を越えています。私はここ5年間「冬の旅」の勉強に相当力を入れてきていますが、毎回勉強の席に着くたびに、この名人の偉業には驚かされます。それは単に音楽づくりの心得の凄さだけではありません。シューベルトは自分が何をしたいのかを明確に理解していて（そこは決して外さないのです）、しかもそれを深く掘り下げて熟考するのですから。もう一つは、私が楽譜を紐解くたびに、「あ、また魔法が新たに出てきた」と思わせることです。解けない謎がいつまでも残っているのです。
This magic comes only with the sounding of the music, with the turning of the written note into sound － and it only comes (or comes most intensely) when the listener is one with the composer, either as a performer himself, or as a listener in active sympathy. Simply to read a score in one's armchair is not enough for evoking this quality. Indeed, this magic can be said to consist of just the music which is not in the score. Sometimes one can be quite daunted when one opens the _Winterreise_ － there seems to be nothing on the page. One must not exaggerate － the shape of the music in Schubert is clearly visible. What _cannot_ be indicated on the printed page are the innumerable small variants of rhythm and phrasing which make up the performer's contribution. In the _Winterreise_, it was not possible for Schubert to indicate exactly the length of rests and pauses, or the colour of the singer's voice or the clarity or smoothness of consonants. This is the responsibility of each individual performer, and at each performance he will make modifications. The composer expects him to; he would be foolish if he did not. For a musical experience needs three human beings at least. It requires a composer, a performer, and a listener; and unless these three take part together there is no musical experience. The experience will be that much more intense and rewarding if the circumstances correspond to what the composer intended: if the _St Matthew Passion_ is performed on Good Friday in a church, to a congregation of Christmas; if the _Winterreise_ is performed in a room, or in a small hall of truly intimate character to a circle of friends; if _Don Giovanni_ is played to an audience which understands the text and appreciates the musical allusions. The further one departs from these circumstances, the less true and more diluted is the experience likely to be.
この「魔法」ですが、音楽を音にしてみて、、楽譜に書かれている音符を音にしてみて、初めて発揮されるのです。そして「魔法」が発揮されるには条件があって、その音に耳を傾ける人は、演奏者でも聴衆でも、作曲家に対して自ら共感を覚えようという態度で、作曲家に寄り添わないといけません。「魔法」が真価を発揮し尽くすには、単に楽譜を読み込んでいるだけではダメで、経験がないといけません。正にこの「魔法」とは、五線紙にしたためられていない音楽的要素だけで成り立っていると言えましょう。人によっては、この「冬の旅」の楽譜を開いてみると、尻込みしてしまうこともあります。なにしろ楽譜に何も書いていないように見えるのですから。シューベルトの中にある音楽がどのような姿をしているかは、クッキリと見て取れますから、余計な誇張は禁物です。音符が印刷された五線紙には到底記すことが出来ないものと言えば、リズムやフレーズを僅かに変化させることで、これは無数に存在します。演奏する側が曲を音にする役目は、まさにこの「無数の存在」によって構成されているのです。「冬の旅」について言えば、休符や「間」の長さ、歌い手の声色、演奏の明瞭さ、子音の発音の滑らかさについては、シューベルトが指示を書ききれるものではありません。その責務を果たすのは、個々の演奏家であり、自分が舞台に立つたびに、変更や修正を加えてゆくのです。それはこの作曲家が期待していることです。やらねば、ただのおバカ、というわけです。なぜか？それは音楽を味わうには、生身の人間が最低3人必要だからです。作曲家、演奏者、聴き手の3人です。そして3人が共に居合わせないと、音楽を味わうことなど全くできないのです。「マタイ受難曲」が聖金曜日に教会で、あるいはクリスマスの礼拝で演奏されるなら、「冬の旅」が親しい間柄の仲間で集まり、普通の部屋とか、ホールでも小さめの場所で演奏されるなら、モーツァルト作曲の歌劇「ドン・ジョヴァンニ」の聴衆が、セリフを全部理解できて、音楽面でも暗示するものをことごとく察するなら、とまあこんな具合に、あらゆる環境やその条件が、作曲家の意図と呼応するなら、音楽を味わうという体験は、ウンと濃密なものとなり、見返りもウンと多くなります。こういうあらゆる環境やその条件から、3人の内の1人でも離れてしまうと、その距離が空けばあくほど、音楽を味わうことの、真価は益々落ちて、代わりにその希薄さが増していくのです。
One must face the fact today that the vast majority of musical performances take place as far away from the original as it is possible to imagine: I do not mean simply _Falstaff_ being given in Tokyo, or the Mozart Requiem in Madras. I mean of course that such works _can_ be audible in any corner of the globe, at any moment of the day or night, through a loudspeaker, without question of suitability or comprehensibility. Anyone, anywhere, at any time, can listen to the B minor Mass upon one condition only － that they possess a machine. No qualification is required of any sort － faith, virtue, education, experience, age. Music is now free for all. If I say the loudspeaker is the principal enemy of music, I don't mean that I am not grateful to it as a means of education or study, or as an evoker of memories. But it is not part of true musical _experience_. Regarded as such it is simply a substitute, and dangerous because deluding. Music demands more from a listener than simply the possession of a tape-machine or a transistor radio. It demands some preparation, some effort, a journey to a special place, saving up for a ticket, some homework on the programme perhaps, some clarification of the ears and sharpening of the instincts. It demands as much effort on the listener's part as the other two corners of the triangle, this holy of composer, performer and listener.
音楽演奏が聴衆に披露される、その大半が、本来ならばこれだけやれると想像できる姿から、益々乖離しているという現実と、これからの人々は直面しなければならなくなります。別に私は、ヴェルディ作曲の歌劇「ファルスタッフ」を東京で上演するとか、モーツアルト作曲の「レクイエム」をマドラス島で演奏するとか、そんな単純な話をしているのではありません。演目とそれが披露される場所や手段が、適合性があるかとか居合わせた人々が理解できるかとか、そういうことを度外視するのであれば、「ファルスタッフ」にしろ「レクイエム」にしろ、この地球上で、どこでもいつでも、昼夜問わず、大きな音も鳴らせるスピーカーを通して、人々は耳にすることは、それ自体は可能なわけです。音響機器さえあれば、誰でも、どこでも、いつでも、バッハ作曲の「ロ短調のミサ曲」を聴くことが出来るのです。信仰する宗教は何か、大切にする美徳は何か、どんな教育を受けてきたのか、どんな人生経験を踏まえているのか、そんなものは一切「演奏を聴く資格」と見なされません。今や音楽は、何の対価も要さず、全ての人が享受できます。大きな音もならせるスピーカーなぞ、音楽にとっては真っ先に始末すべき敵だと、もし仮に私が口にするとしても、別に、スピーカーのことを、音楽教育や学習の手段であったり、人々の様々な記憶を呼び起こすための手段であったり、そういうものとして歓迎できないなどとは申しません。本気で「歓迎できない」と見なすなら、これは単に代替品であり、本物でないものを伝えるものなわけですから、危険なものです。単にカセットテープの再生装置だの、トランジスタラジオだのを抱えてさえすれば、それで十分だという発想よりも、血の通った耳たぶと鼓膜を演奏者に傾けて聴き入ることのほうを、音楽はどちらかというと求めているのです。それには、何らかの準備や、何らかの努力が必要でしょうし、普段とは違う場所へ出向いたり、入場券を買うために貯金したり、耳を鍛えたり、感性を磨いたり、そんなことも必要でしょう。聴き手、作曲家、演奏者というかけがえのない三角形、その一角の「聴き手」には、残りの2つの「一角」同様に、大いに努力が求められているのです。
https://www.youtube.com/watch?v=pnl8KGrwVbo
Schubert: Winterreise, D.911: 1. Gute Nacht ·
Peter Pears
Benjamin Britten, piano
℗ 1965 Decca Music Group Limited
https://archive.org/details/onreceivingfirst0000benj/page/n3/mode/1up
本拙訳の原書はこちらからどうぞ
On Receiving the First Aspen Award
A Speech by BENJAMIN BRITTEN
第1回アスペン人文科学賞 受賞記念講演
VII
Ladies and Gentlemen, this award is the latest of the kindness for which I am indebted to your country. I first came to the United States twenty-five years ago, at the time when I was a discouraged young composer － muddled, fed-up and looking for work, longing to be used. I was most generously treated here, by old and new friends, and to all of these I can never be sufficiently grateful. Their kindness was past description; I shall never forget it. But the thing I am _most_ grateful to your country for is this: it was in California, in the unhappy summer of 1941, that, coming across a copy of the Poetical Works of George Crabbe in a Los Angeles bookshop, I first read his poem, _Peter Grimes_; and, at this same time, reading a most perceptive and revealing article about it by E. M. Forster, I suddenly realized where I belonged and what I lacked. I had become without roots, and when I got back to England six months later I was ready to put them down. I have lived since then in the same small corner of East Anglia, near where I was born. And I find as I get older that working becomes more and more difficult away from that home. Of course, I plot and plan my music when I am away on tour, and I get great stimulus and excitement from visiting other countries; with a congenial partner I like giving concert, and in the last years we have travelled as far as Vancouver and Tokyo, Moscow and Java; I like making new friends, meeting new audiences, hearing new music. But I belong at home － there － in Aldeburgh. I have tried to bring music _to_ it in the shape of our local Festival; and all the music I write comes _from_ it. I believe in roots, in associations, in backgrounds, in personal relationships. I want my music to be of use to people, to please them, to 'enhance their lives' (to use Berenson's phrase). I do not write for posterity － in any case, the outlook for that is somewhat uncertain. I write music, now, in Aldeburgh, for people living there, and further afield, indeed for anyone who cares to play it or listen to it. And I only came to realize that in California in 1941.
ご臨席の皆様方、貴国アメリカには、私は色々と恩義があるのですが、今回頂いた賞も、その最新のものとして加わるものです。今から25年前、私は生まれて初めてアメリカ合衆国へやってきました。当時の私は、やる気をくじかれた若造の作曲家だったのです。気持ちや頭の整理がついておらず混乱し、全てにウンザリしていて、そのくせ仕事が欲しい、俺を使ってくれと、ただただ願うばかりでした。この地で私を懐深く取りなしてくれたのは、昔からの友人知人もそうですが、新しくできた友人知人もそうでした。彼ら一人残らず、一生かけても、どんな言葉を用いても、感謝し尽くせません。絶対に忘れません。実は貴国アメリカに対して、私がそれ以上に感謝申し上げたいことがあります。それは1941年夏のカリフォルニア州での出来ごとです。不幸な気分でしかなかった私は、ロサンゼルスのとある本屋で、たまたま手に取ったのが、ジョージ・クラブの詩集でした。そこではじめて私が読んだのが、「ピーター・グライムズ」だったのです。同時に、この詩について、エドワード・モーガン・フォースターが記した、非常にわかりやすく、色々と明らかにしてくれるような文章を読むことが出来ました。そして私は、自分はどこの何者か、自分に欠けているものが何なのか、自分は根無し草の状態になってしまっていることに、ハタと気づいたのです。その半年後、私はイギリスへ帰国し、今度こそは準備万端、自分が得たものを書き綴ってゆきました。以来私は、当時と同じく、イングランド東部のイースト・アングリアの隅の方で暮らしています。ここは私が生まれた場所の近くでもあります。年齢を重ねるにつれて、自分の本拠地から離れて仕事をすることが、だんだん難しいと思うようになってきました。当然、出張中でも構想を練ったり計画を立てたりしますし、イギリス以外の様々な国を訪れることで、大いに刺激と心の活性化を得ています。気心知れた仕事仲間と公演を開くのは楽しいですし、ここ数年は、バンクーバー、東京、モスクワ、それにインドネシアのジャワ島へも行きました。今まで出会ったことのない人々と友人になり、今まで出会ったことのない聴衆に演奏を聴いていただき、自分も今まで聞いたことのない音楽を聴く、私はそういうのが好きです。でも私には本拠地としての居場所があります。それがオールドバラです。オールドバラへは、おらが地元の音楽祭という形で、音楽を届けるよう励んでいます。そうやって作る自分の音楽は、全てオールドバラから私の元へ来てくれたものです。ルーツ、人脈、人生の背景、個人的な人間関係、私はそういうものを信じる人間です。自分が作った音楽を、人々に使ってもらいたい、喜んでもらいたい、日々の暮らしを豊かにしてもらいたい（美術史家のバーナード・ベレンソンの言葉を借りました）、そう思っています。後の世の人々のために音楽を書くのではありません。如何なる場合でも、そんなもの将来どうなるかなど、分かったものではありません。私が音楽を書くのは、今この時、オールドバラで、かの地に暮らす人々のために、更には私の書いた音楽を、演奏してやろうかとか、聴いてやろうかと仰ってくださる遠くの方達どなたにでも、です。そのことを生まれて初めて自覚したのが、1941年、カリフォルニア州でのことでした。
https://www.youtube.com/watch?v=t-uJ2_1tKCk
Peter Grimes
BBC, 1969
Ambrosian Opera Chorus
Benjamin Britten conducter
VIII
People have already asked me what I am going to do with your money; I have even been told in the post and in the press exactly how I ought to dispose of it. I shall of course pay no attention to these suggestions, however well- or ill-intentioned. The last prize I was given went straight away to the Aldeburgh Festival, the musical project I have most at heart. It would not surprise me if a considerable part of the Aspen Award went in that direction; I have not really decided. But one thing I know I want to do; I should like to give an annual Aspen Prize for a British composition. The conditions would change each year; one year it might be for a work for young voices and a school orchestra, another year for the celebration of a national event or centenary, another time a work for an instrument whose repertory is small; but in any case for specific or general usefulness. And the Jury would be instrumented to choose only that work which was a pleasure to perform and inspiring to listen to. In this way I would try to express my interpretation of the intention behind the Aspen Institute, and to express my warmest thanks, my most humble thanks, for the honour which you have awarded me today.
各方面から早速賞金の使い道について、質問を頂いています。自宅のポストに入るお手紙にしろ、報道各紙の記事にしろ、賞金はこうすべきだというご意見を、色々と頂いています。それが善意にせよ悪意にせよ、私自身振り回されることは、勿論ありません。この賞の前に頂いたものは、そっくりそのままオールドバラ音楽祭に充てました。この音楽祭は、私が最も気に掛けているものです。この音楽祭に、アスペン人文科学賞についても、大半を充てることになっても、今更驚くことでもありません。実はまだ、何も決めていないのです。ただ一つだけ、希望はあります。アスペン人文科学賞に、英国人音楽作品賞を毎年設けて頂けないかな、ということです。それも、ある年は少年少女合唱団と学校のオーケストラ用の作品、ある年は国の祝賀行事だったり何か100周年を迎えるものの記念作品、ある年は専用の楽曲が少ない器楽のための作品、と言った具合に、年ごとにテーマを変えていくのです。ただ何をテーマにするにしても、それに特化したものであったり、あるいは広く使用することが出来るものであったり、そんな条件を設けたいと思っています。そして審査に当たる方達には、演奏して楽しく、聴いて何か感じるものがある、そんな作品に狙いを定めて選べる体制を整えるのです。それが、アスペン人文科学研究機構の意思を、私自身の言葉で世に伝え、そして、畏れ多くも、本日過分なる栄に浴しましたことへの、心からの熱き感謝の念を表するものであります。
https://www.youtube.com/watch?v=ZCCJjyLJ8NQ
2016/06/26
Duet for Timpani and Piano by Benjamin Britten
Timpani: Sadredin Esmaily Seresht
Piano: Mandana Golkar
in Tehran University of Art
https://www.youtube.com/watch?v=sH6lINJGnmk
https://www.youtube.com/watch?v=9uMGxlqlEvw&list=RD9uMGxlqlEvw&start_radio=1
https://www.youtube.com/watch?v=Pb8i1htIpg0&list=RDPb8i1htIpg0&start_radio=1
https://www.youtube.com/watch?v=aYWOMyJnrRY&list=RDaYWOMyJnrRY&start_radio=1
2009/03/31
