https://www.jstor.org/stable/1513330?seq=1
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Percy Aldridge Grainger (1882-1961). Document dated 6 December 1938.
From the archives of the Grainger Museum.
The Grainger Museum, University of Melbourne, Parkville, Victoria 3052, Australia. Reprinted with permission.
パーシー・オールドリッジ・グレインジャー
1938年12月6日付文書
メルボルン大学グレインジャー博物館所蔵
Leonardo Music Journal Vol. 6 (1996), p. 109 (1 pages) Published by: The MIT Press
掲載：レオナルド・ミュージック・ジャーナル (1996)
マサチューセッツ工科大学出版局
Free Music
フリーミュージックについて
Percy Aldridge Grainger
パーシー・オールドリッジ・グレインジャー
Music is an art not yet grown up; its condition is comparable to that stage of Egyptian bas-reliefs when the head and legs were shown in profile while the torso appeared "front face" --- the stage of development in which the myriad irregular suggestions of nature can only be taken up in regularised or conventionalised forms. With Free Music we enter the phase of technical maturity such as that enjoyed by the Greek sculptures when all aspects and attitudes of the human body could be shown in arrested movement.
音楽という芸術は、依然として大人になり切れていない、未熟な状態である。現状は例えていうなら、古代エジプトの浅彫りの彫刻絵のようだ。人物を描くのに、顔と両足は真横を向いているのに、胴体が正面を向いているという、幼児の様な描き方をしている。発展途上の絵、それが今の音楽芸術。大自然の中には、芸術の素材があり、そこには無数の「不規則な物」が存在している。現在の音楽芸術は、それを「規則的な物」にしてしまう。または、従来からある「型」にはまった状態にしてしまう。フリーミュージックという手段があれば、私達の音楽芸術は、技術面での「大人になり切れる」フェーズに進むことになる。例えていうなら、古代ギリシャの彫刻のようなもの。動作中の人体を描くのに、その一瞬の様子や各部位の位置を、見事に捉え切るのだ。
Existing conventional music (whether "classical" or popular) is tied down by set scales, a tyrannical (whether metrical or irregular) rhythmic pulse that holds the whole tonal fabric in a vice-like grasp and a set of harmonic procedures (whether key-bound or atonal) that are merely habits, and certainly do not deserve to be called laws. Many composers have loosened, here and there, the cords that tie music down. Cyril Scott and Duke Ellington indulge in sliding tones; Arthur Fickenscher and others use intervals closer than the half tone; Cyril Scott (following my lead) writes very irregular rhythms that have been echoed, on the European continent, by Stravinksy, Hindemith, and others. Schoenberg has liberated us from the tyranny of conventional harmony. But no non-Australian composer has been willing to combine all these conventions into a consistent whole that can be called Free Music.
いわゆる「クラシック音楽」でも、ポピュラー音楽でもそうだが、今ある従来の型にはまった音楽は、あちこちに縛り付けられている。決められた音階。「暴君的」とさえ言いたくなるようなリズムの鼓動（変拍子も普通のモノも）。リズムについては、工作場にある「万力」のように、響き全体を締め付ける。それと、和声進行（調性音楽でも無調性音楽でも両方とも）。こんなものは単なる習慣的な代物でしかないのだ。「守るべき法律」と呼ばれる資格など、断じて無い。その「縛り付けている」和声の数々を、これまで数多くの作曲家達が、そこかしこで緩めている。イギリスの作曲家シリル・スコットは、流動的な音型を、そしてアメリカの作曲家デューク・エリントンはトロンボーン等が用いるテールゲート奏法を、ハマって使用する。そしてアメリカの作曲家アーサー・フィッケンシャーをはじめ、様々な作曲家達が、半音よりも更に狭い「1/4音」だの「1/8音」だのを、使いこなしている。シリル・スコットは、私の後をついて、ヨーロッパ大陸で活躍中の作曲家ストラヴィンスキーやヒンデミットらと同じように、とんでもない変拍子で曲を書く。シェーンベルクは「暴君的な」従来型の和声による「圧政」から、私達を開放してくれている。それなのに我が国オーストラリアでは、折角こんなにも様々な取り組みがあるのに、これを一つにまとめて、いわゆる「フリーミュージック」にしてみようと、やる気になっている作曲家が、誰一人いないのである。
It seems to me absurd to live in an age of flying and yet not be able to execute tonal glides and curves --- just as absurd as it would be to have to paint a portrait in little squares (as in the case of mosaic) and not be able to use every type of curved line. If, in the theatre, several actors (on the stage together) had to continually move in a set metrical relation to one another (to be incapable of individualistic, independent movement) we would think it ridiculous; yet this absurd goose-stepping still persists in music. Out in nature we hear all kinds of lovely and touching "free" (non-harmonic) combinations of tones; yet we are unable to take up these beauties and expressiveness into the art of music because of our archaic notions of harmony.
私に言わせれば、今や科学が進み、飛行機が当たり前とさえなっている時代なのに、曲線的な音型も使いこなせないなんて、バカげていると思う。絵画で言うなら、未だに極小の正方形を、大昔のモザイク画みたいにして絵を描くのと同じではないか。絵の世界では、誰もが曲線を用いて絵を描く。例えば演劇を見にいくとしよう。舞台に役者達が登場していて、必ず全員そろった立ち居振る舞いしかしない（個々に独立した身動きをしない）なんて、「バカじゃないの？」と、普通思うだろう。ところが音楽の世界では、こんな「規律正しい軍事パレード」みたいなことが、頑なに居座り続けているのだ。大自然の中に出てみよう。ありとあらゆる様々な音の響きが、愛らしく、心に触れるような自由自在さ（音楽的なハーモニー感という意味ではなく）で組み合わさり、私達の耳に飛び込んでくる。その「自由自在さ」のもつ美しさや表現力を、私達は音楽芸術という形に落とし込めないのだ。それもこれも、旧態依然とした「ハーモニー」について、とやかく言われていることが原因である。
Personally I have heard free music in my head since I was a boy of eleven or twelve in Auburn, Melbourne. It is my only important contribution to music. My impression is that this world of tonal freedom was suggested to me by wave movements in the sea that I first observed as a young child at Brighton, Victoria and Albert Park, Melbourne.
私自身の話になるが、私は11歳とか12歳に、メルボルン郊外のオーバーンという街に住んでいた頃から、頭の中で「フリーミュージック」が鳴り響いているのを、ずっと聞いている。それだけが唯一の、自分の音楽活動に大切な働きかけをしてくれるものだ。ウンと幼い頃、メルボルン郊外のブライトンにある浜辺や、アルバート・パークという臨海公園で、私は生まれて初めて、海の上の波の動きを見た。それをじっと見つめているうちに、調性が自由自在な音の響きの世界を教えられた。とまあ、そんな風に、幼い頃の印象として記憶している。
Yet the matter of Free Music is hardly a personal one. If I do not write it someone else certainly will, for it is the goal that all music is clearly heading for now and has been heading for through the centuries. It seems to me the only music logically suitable to a scientific age.
でも「フリーミュージック」は、私一人だけがどうこう言っているものでもない。私がこんな風にしたためなくとも、誰かほかの人がきっと書く。というのも、全ての音楽がその方向を目指しているのは明らかで、それは既に何百年間もその状態にあるからだ。フリーミュージックこそ、科学の時代に唯一ピッタリだと、理論的にも私にはそう思える。
The first time an example of my Free Music was performed on man-played instruments was when Percy Code conducted it (most skillfully and sympathetically) at one of my Melbourne broadcasting lectures for the Australian Broadcasting Commission, in January, 1935. But Free Music demands a non-human performance. Like most true music, it is an emotional, not a cerebral, product and should pass direct from the imagination of the composer to the ear of the listener by way of delicately controlled musical machines. Too long has music been subject to the limitations of the human hand, and subject to the interfering interpretations of a middle-man: the performer. A composer wants to speak to his public direct. Machines (if properly constructed and properly written for) are capable of niceties of emotional expression impossible to a human performer. That is why I write my Free Music for Theremins --- the most perfect tonal instruments I know. In the original scores each voice (both on the pitchstaves and on the sound-strength staves) is written in its own specially coloured ink, so that the voices are easily distinguishable, one from the other.
私が作曲した「フリーミュージック」を、人の手で初演してくれたのは、オーストラリアの作曲家パーシー・コードが指揮をしてくれた時だ。彼の演奏は、最高の腕前で、良く趣旨を理解してくれていた。1935年1月に、ABC（現在のオーストラリア放送協会の前身）がメルボルンで放送した、複数回に分けて行われた音楽についての講義の中でのことである。だがフリーミュージックとは、人間の手でない手段での演奏が必要なのだ。「これぞ真の音楽」と言われるものの大半がそうだが、人の心の揺れ動きが起こす様々な反応が表れて、でもそれは知性に訴えるような方法ではない産物でないといけない。そして、作曲家のイマジネーションを、シッカリと操作できる音楽演奏のための機械を通して、聴き手の耳に直接届けなければならない。これまであまりにも長い年月の間、音楽というものは、人の手の持つ限界の数々に屈しなければならず、仲介者たる演奏家の解釈に邪魔される、それに屈しなければならなかった。作曲家というものは、自分で直接聴き手に訴えたいのだ。適切に機械を作り、その為に適切に書かれた音楽を、その機械で演奏すれば、人間の演奏家には不可能な、人の心の揺れ動きを、最高に素敵な状態で届けることが出来る。だから私は、「4台のテルミンの為のフリーミュージック」という曲を書いたのだ。テルミンこそ、私が知る限り、調性音楽を演奏する上で、完成度の最も高い楽器だ。この曲の、私の自筆譜は、各声部（ドレミを表す五線譜も、音の強さや音量を表す専用の譜線も、専用の色のインクを用いて書かれている。そうすることによって、各声部が互いに違いがはっきり認識できるようになっている。
Percy Aldridge Grainger (1882-1961).
Document dated 6 December 1938.
From the archives of the Grainger Museum.
The Grainger Museum, University of Melbourne, Parkville, Victoria 3052, Australia. Reprinted with permission.
パーシー・オールドリッジ・グレインジャー
1938年12月6日付文書
メルボルン大学グレインジャー博物館所蔵
https://www.youtube.com/watch?v=g3WLm_3bvrw
Percy Grainger - Free Music No. 1 (For Four Theremins) [1936]
